Una macchina da presa sotto oppiacei, che galleggia nello spazio, che taglia per obliquo le inquadrature. Come i due scoppiati che fanno da padre e da madre a Jeliza-Rose, mentre lei gli prepara con amore ed efficienza la prossima dose, scaldando la roba, filtrandola nell’ovatta, tirandola su con la siringa. La madre non ci mette molto a finire in overdose, il padre (Jeff Bridges in versione Big Lebowski tossicomane) le concede qualche giorno in più, decide di portarla con sé, in ultimo delirante viaggio, verso una wonderland macabra e mostruosa, immersa in una luce abbagliante, abitata da dementi e streghe, scoiattoli parlanti e grandi squali bianchi.

Terry Gilliam somministra cinema come fosse droga, allucinogeno od oppiaceo non ha molta importanza, l’effetto tanto è assicurato. Il suo occhio distorce e amplifica le percezioni, viaggia nelle storie, concede tutto all’immaginazione, rasenta la libertà assoluta.
Una strepitosa Jodelle Ferland è Jeliza-Rose, bambina abbandonata in un mondo assurdo, talento teatrale impareggiabile nel creare voci e personaggi (le teste delle barbie) per sconfiggere la solitudine, per mascherare la sua realtà, per creare altri mondi, altre possibilità, altre vite.
Tanti i riferimenti al capolavoro di Carrol ma con più ombre, più cattiveria, più incubi. Jeliza-Rose non rappresenta la bontà o il candore infantile, cela malizia e opportunismo anche se con innocenza, tutto per lei può essere ancora possibile perché la vera paura ancora non ha contaminato il suo cuore. Immersione totale in una fiaba nera come la pece, ironica e delirante, costruita su corpi deformi e ghignanti, dove la dolcezza può essere un bacio proibito e infinitamente tenero o il bisogno di una figura paterna, fosse anche quello che rimane del corpo, mummificato e sventrato, di Noah, il padre di Jeliza-Rose, un involucro di cuoio a cui confidare i segreti del cuore.
Tideland è anarchia visiva e narrativa, capacità di spingersi oltre i limiti dell’immagine e del racconto, per tuffarsi in quel buco che porta in una altro mondo. Come per Noah, che in quel buco nelle vene trova la propria vacanza, la propria fuga. Come Alice, che nel buco del bianconiglio trova l’accesso verso il concretizzarsi di un mondo immaginario. Cinema come capacità di vedere quello che non esiste, di dare forma al sogno o all’incubo, di trovare nell’allucinazione e nel trip una dimensione favorevole alle necessità della propria mente e del proprio essere.
Tideland, da un romanzo di Cullin Mitch, è un viaggio unico, non sempre positivo, incompiuto e a tratti sgradevole, ma che vale la pena di fare, per vedere cosa si nasconde al di là delle nostre normali percezioni, in quel luogo magico dove la mente e le sue deformazioni non hanno più confini.

Titolo originale: Tideland
Regia: Terry Gilliam
Interpreti: Jeff Bridges, Jodelle Ferland, Alden Adair, Wendy Anderson
Durata: 117′
Origine: Canada / UK, 2005

Risorse:
Tideland - sito ufficiale [EN]
Tideland - sito italiano

Il video dei Nirvana “Smells like teen spirit”

Risorse:
100 Greatest Songs Of The ’90s Full List

Il Digicomics 2007 era partito con l’accattivante idea di unire il solito MEI, Meeting Etichette Indipendenti, incontro tipicamente orientato sul rock-indie (o comunque sia, sul solito indie all’italiana), con un plug-in più elettronico: il Digicomics. Come recita il sito del minifestival

musica elettronica + fumetto live + facce sbalordite + punti esclamativi!

di ottimi presupposti per una serata un po’ diversa del solito ce ne sarebbero stati, persino nelle facce sbalordite e disorientate degli spettatori.
Veniamo al dunque.

Arrivo a Faenza alla cinque di pomeriggio, il locale (una discoteca davvero carina, in un interrato fatto da volte a mattoni pieni) è davvero accogliente, ricorda le cantine dove fanno il buon vino e tutto questo mi spinge a pensare che il posto sia davvero ottimo, anche perché ben curato nei particolari d’arredamento e nella pulizia: davvero un ottimo posto. A quell’ora i fonici stavano montando tutto il necessario.. intravedo il palco, si trova un una stanza davvero piccola. Palco piccolo in una stanza piccola. Pazienza. Continuo fiducioso a sperare nel buon andamento della serata.
Ad un certo punto, arriva un uomo in Bmw Z4, scortato da una seducente fanciulla. E’ uno del Mei, vengo a sapere. Il tizio si avvicina all’organizzatore del Digicomics, dicendo che il MEI ha aggiunto altri gruppi alla serata. Scaletta stravolta. I gruppi del MEI si insediano con tanto di strumentazione, gruppi che a dire il vero hanno snaturato il senso stesso della serata, (cosa accomuna il metal all’italiana con l’elettronica? Questo non lo saprò mai.) Mano a mano arrivano gli altri gruppi e io vado a fare volantinaggio al MEI con l’organizzatore (!!!la sera stessa del concerto!!!).
Inizio a ricredermi sull’andare positivo della serata, e questa mia paura non viene smentita, altri gruppi “non-Digicomics” si aggiungono alla serata e con la strumentazione occupano tutto lo spazio rimanente in camerino (durante la serata, infatti, davanti al pubblico PAGANTE, stazioneranno zaini e strumentazioni varie). Poco prima di suonare, due ragazze sedute su una panca mi chiedono “ma cosa fanno qui stasera?”. Come prevedevo, l’organizzazione del Digicomics non aveva sponsorizzato nulla dell’evento. Durante la serata, le persone che verranno a sentire il concerto saranno pochissime. Io apro il Digicomics suonando poco più di un quarto d’ora, perché DOPO dovranno suonare i gruppi più prestigiosi, quelli del Mei. Imbarazzo totale: davanti a me quattro gatti (in pratica i componenti degli altri gruppi). E i quattro gatti rimarranno tali fino alle quattro di mattina. Attenzione, non le sei come pronosticava il volantino Digicomics!

E i disegnatori?
Bene, questa è un’altra disavventura… Prima del concerto, si verrà a sapere che durante la serata non ci saranno lavagne luminose, telecamere e comunque sia non ci sarà nulla di nulla per proiettare i disegni dei ragazzi invitati a disegnare al Digicomics. Durante la serata, a quel punto, vince la spartana idea di appendere i disegni al muro. Si fuma anche dentro dopo un po’, ma va bene così,l’ambiente era più quello di una festa in aula, piuttosto che un minifestival.

La Musica:
Non mi va di recensire i gruppi esterni al Digicomics, perché lo trovo ingiusto. Se fossero stati un minimo onesti, si sarebbero dovuti rifiutare di suonare rubando spazio agli altri, idea romantica forse, ma giusta. Quando la frase di un gruppo esterno al Digicomics giunge alle mie orecchie: “noi vorremmo suonare quando c’è gente, perché ci teniamo ad essere ascoltati”, allora capisco che c’è gente che non la pensa come me.

Per quanto riguarda i gruppi del Digicomics, alla fine hanno suonato:
- Radarstation, al suo primissimo live, proponendo una musica che rievoca un po’ la scuola dei quattro tedeschi del Kling Klang e canzoni più lente, ma comunque sempre orientate sull’elettronica quasi giocosa. Un live set armato di solo laptop e di musica fatta a codice binario.

- The Spacepony, molto improntati sulla musica rock-psichedelica anni settanta, stupiscono con canzoni allegre, piene di un live set davvero coloratissimo, fatto di strumenti tra i più impensabili (una pistolina giocattolo, la gabbietta di un canarino, tastiere giocattolo). La loro musica riprende gli anni psichedelici del rock, mescolati con sapienza con elettronica e drum machine.

- Micamat (Homework rec), regala un live set fatto di un’elettronica molto emotiva, che mescola strumenti classici tradizionali (balalaika, mandolino portoghese, chitarra e altri strumenti classici) con glitch prettamente elettronici fatti a suon di sintetizzatori analogici e non. Supportato anche dai Milf Shake (video), la serata finalmente entra in quello che sarebbe dovuta spiritualmente essere.

- Chiudono il concerto gli A Problem With My Mind che ripropongono un elettropunk che viene definito da Rockit:

Uno sturm und drang electropunk che sfoga il suo impeto in scarne ambientazioni industriali di stampo anni ottanta, ma con il fervore contemporaneo di una techno che ha ormai perso le sembianze umane

E difatti, è il set che ci lascia tutti finalmente contenti e con i punti interrogativi: digitale sgretolato e fatto a pezzi, un cantato post-punk che fa il suo dovere con Terry, il supercarismatico cantante, che ci fa ritornare il sorriso, dopo la pessima serata.

Conclusione.
Non so se ci sarà un secondo Digicomics (e forse se ci sarà non sarà più organizzato dal creatore del primo). Fatto sta che la serata poteva risultare davvero interessante, se fosse stata organizzata a dovere. Si rimane con quella sensazione tipica esprimibile con queste parole: “è andata così, pazienza”.

A partire da giovedì 8 novembre si terrà a Torino, e in contemporanea a Barcellona, la settima edizione del ClubtoClub, uno dei più importanti festival di musica e arte elettronica a cui parteciperanno artisti provenienti da tutto il mondo.
Uno di quegli eventi che non può che far bene alla scena elettronica italiana ma non solo, ma che a mio avviso dovrebbero ‘espandersi’ anche nel resto del Paese.
Torino si conferma, nella scena elettronica europea, una delle città più creative; e Barcellona, dal canto suo, gode da anni di un’ottima scena club.


Il programma di questa 7a edizione del Club To Club prevede l’inaugurazione martedì 6 novembre, durante la quale sarà presentata in Piazza Vittorio l’opera di Nicola De Maria “Regno dei fiori: nido cosmico di tutte le anime”. Ad affiancare l’opera di De Maria sarà la sonorizzazione elettronica dal vivo a cura del musicista finlandese Vladislav Delay.

Giovedì 9 novembre 2007 si terrà l’evento inaugurale “Torino per Essere Contemporanei” a cui parteciperanno:

• Mika Vainio (Pan Sonic) (Finlandia) (dj set in esclusiva)
• Stefan Goldmann (Bulgaria/Germania) (dj set)
• “secret artist”

Venerdì 10 novembre il festival toccherà 4 locali di Torino e 2 di Barcellona.
Dall’ Hiroshima Mon Amour:

Visual: code_in_motion LAB

Video streaming con The Loft (Barcellona) in collaborazione con WI-PIE

Dal Jam Club:

• Akufen (Canada) (dj set)
• Onur Ozer (Turchia) (live)
• Undo (Spagna) (dj set) (in collaborazione con il Loft di Barcellona)
• Seph (Argentina) (live)
• Rills (Italia) (dj set)

Visual: Transphormetic (Paul Prudence) (Gran Bretagna)

Dallo Spazio 211

• Fovea Hex (Irlanda) (live - prima volta in Italia - unica data italiana)
• Larsen (Italia) (live)
• Uusitalo (Finlandia) (live)
• Post@l_Market (Italia) (live)

Dal Supermarket

Visual: Eskimoblood (Andreas Köberle) (Germania)

Dal The Loft e Lolita (Barcelona):

• Green Velvet (USA) (dj set)
• Giorgio Valletta/Xplosiva (Italia) (dj set)
• Nerone (Brasile) (dj set)
• The Pure (Italia) (live set)

Visual: Claudio Sinatti (Italia)

Sabato 10 novembre si terrà la mostra STOP & GO (nuovi film e video della Collezione Sandretto Re Rebaudengo)
a cura di Francesco Bonami

Dalle ore 15.30, all’Auditorium della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo: presentazione del Progetto Ambiente Fondazione Sandretto Re Rebaudengo.

Dalle ore 16: The City Never Sleeps (Strategie Sonore per una città migliore) - workshop sulle relazioni tra il sound design e la flessibilità urbana. In collaborazione con Ied Sound Design Milano (www.ied.it) e Torino 2008 World Design Capital (www.torinoworlddesigncapital.it). Sarà presentata un’installazione realizzata da Martin Parker (Università di Edinburgo) in un laboratorio con studenti Ied Sound Design.

Dalle ore 18,30: QOOB, il progetto multimediale sviluppato da Telecom Italia Media Broadcasting e MTV Italia che unisce televisione, internet e telefonia mobile, e ISBN edizioni (la casa editrice del Gruppo Editoriale Saggiatore) presentano in esclusiva il dvd “Tech Stuff”, la prima serie televisiva sulla musica elettronica ideata da un utente di QOOB. Tra i contenuti extra proiettati in esclusiva, l’intervista a Karlheinz Stockhausen

Dalle ore 19,30, alla Caffetteria Spazio aperitivo con il dj set di D-I-R-T-Y Sound System featuring Pilooski (Francia)

Dalle ore 20,30, all’Auditorium: William Basinski (USA) (live)
Visual: Zimmerfrei (Italia)

Dalle 23, all’Accademia Albertina delle Belle Arti: live set di Roger Rama (Italia) e al Lingotto Fiere - Padiglione 1: Jeff Mills (USA), Troy Pierce (Canada), Sergio Ricciardone/Xplosiva, Drama Society (Italia)

Ecco un video tratto dall’edizione 2006:

Risorse:
[1] clubtoclub.it
[2] Club to club su Myspace
[3] Razzmatazzclubs (Barcelona)

Francis Ford Coppola è un regista che ha sempre pagato in prima persona le scelte fatte. Più di ogni altro della sua generazione ha cercato di ribadire che il regista non era solo un semplice tecnico, ma un artista che attraverso le immagini esprimeva il proprio mondo interiore, le proprie idee. E allora ogni film diventava una lotta contro gli studios per conquistare una autonomia sempre maggiore. Ma Coppola non ha mai disdegnato le operazioni più commerciali, ben sapendo che per cambiare un sistema di cose prima di tutto bisogna entrarci dentro e da lì cominciare ad ingrandirsi, prendersi i propri spazi, avere il coraggio di scommettere e ancor di più quello di saper perdere.

Perché ne ha perse molte di scommesse Coppola, ne ha persi parecchi di soldi stando dietro ai suoi progetti e ai suoi sogni, ma questo non lo ha mai fermato, anzi gli ha dato la capacità di sapersela cavare in ogni occasione, di sapersi rialzare e di continuare su una strada personale, autentica.
E si arriva a questo suo ultimo lavoro, che esce a dieci anni di distanza da L’uomo della pioggia (un film fatto proprio per gli studios). E Coppola non si smentisce, scrive e gira un’opera personalissima, a tratti biografica, che vede la mano del suo autore costruirla e realizzarla e che del suo autore diventa poi l’espressione. Ed è questo processo, paradossalmente, a lasciare un senso di smarrimento davanti alla visione della pellicola. L’essere stati disabituati a intendere il cinema come un’opera personale, poetica, metaforica come lo possono essere un romanzo o una lirica. Coppola si riappropria delle possibilità artistiche di fare cinema in maniera autonoma da convenzioni e mode. Di esprimere attraverso questo mezzo prima di ogni altra cosa un’esigenza dell’anima, così come accade in ogni forma d’arte. L’essere stati assuefatti a visioni preconfezionate e codificate, che dovevano solo mettere in scena storie, raccontandole per immagini è quanto molto del cinema contemporaneo ci ha imposto. Perdere il concetto di autore o volerlo rifilare ad ogni costo è un altro dei problemi del nostro presente cinematografico. E allora Coppola lavora, prima di tutto, sulla scrittura filmica (sia narrativa, che visiva) e costruisce il proprio modo di raccontare. Parla di letteratura del cinema e arriva quasi ad inventarsi un nuovo modo di narrare, in bilico tra la forma del romanzo e quella del film, amalgamando elementi letterari (come l’io narrante, le aperture poetiche, le metafore, i simbolismi) e cinematografici (i dettagli delle inquadrature, la sintassi filmica, le possibilità del montaggio, l’uso dei colori e degli effetti digitali), come se Coppola prima di tutto avesse voluto scrivere un libro per poi trasformarlo in immagini e avesse usato la natura visionaria delle immagini stesse per improvvise aperture riflessive, cariche di suggestioni, come se alcuni elementi del libro (il doppio, il rapporto tra sogno e realtà , il tempo) potessero essere espressi unicamente in questo modo. Viene in mente un libro con immagini in movimento tra le pagine. Qualcosa che alterni la voce dello scrittore alla possibilità concreta di vedere ciò che il libro trasmette. Qualcosa di nuovo e rivoluzionario.

La storia narrata è quella di un professore settantenne (Tim Roth) che viene colpito da un fulmine e in seguito a questa traumatica esperienza inizia a ringiovanire. Il professore si accorge anche di avere acquisito capacità mentali straordinarie grazie alle quali cercherà di portare a termine l’opera a cui ha dedicato tutta la sua vita: un libro sul linguaggio, il tempo e la coscienza.
Afferma lo stesso Coppola “La storia mi riguardava da vicino. Come il suo personaggio principale, Dominic, ero torturato e bloccato dalla mia incapacità di portare a termine un lavoro importante. A 66 anni mi sentivo frustrato: da otto anni non facevo un film; le mie aziende andavano a gonfie vele, ma la mia vita creativa era inappagata.” Tratto da un racconto di Mircea Eliade il lavoro di Coppola si prefigura, stando alle sue parole, già come qualcosa di molto personale. Una immedesimazione umana con il protagonista e quindi anche la possibilità , narrando la sua storia, di parlare di sé stessi. E poi tre temi fondamentali per la vita umana, la scrittura e il cinema. E cioè il linguaggio, il tempo e la coscienza. Si capisce quindi che il film ha una stratificazione semantica quanto narrativa notevole. Una dimensione assolutamente nuova in cui si intrecciano storie, visioni, paradossi, riflessioni filosofiche, teoria del cinema, linguaggio umano, letterario e cinematografico. Un insieme di stimoli, spunti di riflessione, ragionamenti che finiscono per dare a Coppola la possibilità di una scrittura innovativa, capace forse un domani di rivoluzionare il vocabolario del cinema (se già non lo ha fatto) ma questo lo si capirà solo con il tempo. Se questo film farà nascere nuovi orizzonti espressivi significa che Coppola sarà riuscito nel suo intento, riuscire a fare qualcosa di nuovo, non ripetere sempre gli stessi film, lasciarsi alle spalle i propri capolavori, continuare, quindi, a creare. Altrimenti rimarrà la prova di un regista ancora desideroso di sperimentare, che avendo finalmente raggiunto una propria autonomia produttiva si imbarca solo in quei progetti che sente più vicini, più consoni alla sua natura.
Come tutti i grandi sognatori Coppola ci parla della possibilità di andare oltre se stessi, rischiando e imparando a perdere, senza per questo smettere mai di guardare oltre, lungo quegli orizzonti in cui arte e vita continuano a sfiorarsi.

Regia: Francis Ford Coppola
Titolo originale: Youth Without Youth
Interpreti: Tim Roth, Alexandra Maria Lara, Bruno Ganz, Andrè Hennicke, Marcel Lures
Durata: 124′
Origine: USA / Germany / Italy / France / Romania, 2007

Risorse:
Youth Without Youth - sito ufficiale [EN]

Angie lavora per un’agenzia di reclutamento che opera nei paesi dell’Est. Tornata a casa viene licenziata e si ritrova a cominciare tutto da capo. Angie è anche una ragazza madre, suo figlio ha undici anni e vive la maggior parte del tempo con i nonni. Angie decide che non vuole obbedire più agli ordini di nessuno, decide di mettersi in proprio.
Apre, insieme all’amica Rose, un’agenzia tutta sua. Inizia a farsi pubblicità , a stringere rapporti e a darsi da fare. Inizia, in un certo senso, a gestire capitale e uomini, soldi e risorse.


Ed in questo passaggio, in questo scatto, si rivela il dramma del funzionamento della nostra società . Angie inizierà a fregarsene dei diritti dei lavoratori per portare avanti i propri interessi. In questo modo il capitale irrompe in quella che era stata la solidarietà proletaria dei decenni passati e finisce per mettere i lavoratori gli uni contro gli altri. Perché la stessa Angie è figlia di un operaio, non ha studiato, non viene certo da un ambiente borghese. Però le dinamiche del capitalismo e della sua degenerazione odierna (il lavoro precario) la portano a trasformarsi, a diventare come uno di quei padroni che l’avevano licenziata.
Come le rinfaccia il padre, Angie se ne frega della solidarietà e dell’aiuto reciproco tra lavoratori, una volta che lei è passata dall’altra parte, tutto cambia, i suoi interessi divengono i soli ad avere importanza, non le richieste di quelli che lavorano, non i loro bisogni.
La porzione di mondo rappresentata, quella britannica, quella del lavoro precario degli immigrati, diventa un quadro più ampio, che riguarda tutti coloro che fanno parte dell’Europa odierna. Tutto il fiume di persone che sta arrivando dai paesi dell’Est è una forza lavoro inarrestabile, un sogno ad occhi aperti per il capitalismo che si ritrova così un continuo flusso di mano d’opera da utilizzare e sfruttare come meglio crede.
E allora lo sguardo di Loach si fa cupo, pessimista, disincantato. Perché si sono perduti concetti come quelli dell’internazionalismo o dell’identità operaia, in cui già il fatto di lavorare era un punto di incontro tra le persone di tutto il mondo, un modo per riconoscersi al di là delle proprie etnie e dei propri paesi di provenienza. E anche se Angie, ad un certo punto, decide di aiutare una famiglia di rifugiati politici, portandoseli a casa sua, dall’altra parte non si farà scrupoli a chiamare la polizia per far sgomberare un gruppo di immigrati clandestini da alcune roulotte per far spazio ai suoi operai. Il suo è un personaggio sgradevole, ambiguo, che rappresenta alla perfezione il crollo di ogni coscienza politica quanto morale. Ed in questo modo il vortice dello sfruttamento, se risucchia anche gli stessi lavoratori (mettendoli gli uni contro gli altri), non conoscerà mai fine. Perché il capitalismo è sfruttamento, in ogni sua applicazione. Sfruttamento delle risorse ambientali, sfruttamento umano, riduzione delle persone al loro valore economico.
Loach dirige in una maniera classica, senza far mai sentire la sua presenza, un occhio invisibile che documenta nascondendosi dietro gli eventi, lasciandoli poi esplodere. Il suo cinema militante si dimentica spesso e volentieri dello spettacolo e in questo caso anche di alcuni passaggi della sceneggiatura, ma tende tutto se stesso verso un obiettivo, verso la messinscena di un’ideale, di una visione del mondo.
Perché tra le briciole del nostro consumismo ci sono veramente nuovi proletari, per non dire schiavi, che lottano ogni giorno per un lavoro o una forma di sostentamento. E pensare che lo sfruttamento è tutto quello che si potranno aspettare la dice lunga sul valore della nostra libertà e della nostra democrazia.

Regia: Ken Loach
Titolo originale: It’s a Free World…
Interpreti: Kierston Wareing, Juliet Ellis, Leslaw Zurek, Colin Caughlin
Durata: 96’
Origine: Gran Bretagna/Germania/Spagna/Italia, 2007

Le molte vite di Bob Dylan, reali quanto immaginarie. Volti diversi a rappresentare umori e idee, canzoni e proteste. Tanti Bob Dylan, uno per ogni attore che lo interpreta, per decostruire la vita del cantante e trasformarla in un quadro frammentato e astratto, dove ogni immagine può essere semplice verità o pura finzione, con rarissimi dati oggettivi, dove, come in un’opera d’arte, i principi creativi si confondono con la vita stessa, dando origine ad una espressione dell’anima: un quadro, una canzone, una poesia, un film.


Io non sono qui è un titolo perfetto per l’operazione svolta da Todd Haynes. Bob Dylan non è in questo film, non viene mai nominato dichiaratamente, di volta in volta si fa chiamare Woody Guthrie (il suo maestro), Arthur Rimbaud, John, Jude. Di volta in volta lo vediamo diverso, impossibile da catturare in una definizione o in un volto, di lui ci sono lampi d’ispirazione, i magnifici testi delle sue canzoni, in alcuni casi la voce (molte delle canzoni poi sono cantate dagli attori stessi).
Bob Dylan non è in questo film ma il suo spirito aleggia, in maniera triste e crepuscolare, nel Billy the Kid interpretato da Richard Gere, in maniera controversa e schizzata, timida e strafottente nella meravigliosa interpretazione di Cate Blanchett.
Partendo dalle sue esperienze precedenti (si pensi a Velvet Goldmine) che già attraverso l’artificio narrativo della ricostruzione biografica miravano a trovare più verità su un’epoca (quella del glam rock) di quanto una semplice ricostruzione storica potesse permettere, allo stesso modo, in Io non sono qui, Haynes si discosta ancora di più dall’oggettività dei dati biografici per lanciarsi in una personale visione dell’artista Dylan (ma non dell’uomo, ma c’è poi differenza?) attraverso una scrittura filmica libera da ogni schema, con salti temporali vertiginosi, un montaggio discontinuo e usato in chiave emotiva e poetica, riuscendo a comporre un’opera unica e originale, a volte volutamente caotica e distaccata, che azzera qualsiasi possibile empatia visiva dello spettatore (che rimane senza agganci, senza punti fermi) e che allo stesso tempo, attraverso la superba colonna sonora, fa venire i brividi sulla pelle ogni volta che si sente una chitarra iniziare a suonare.
Biografia immaginifica e concettuale, basata sul principio della rappresentazione della finzione come momento di verità suprema (già espresso in Velvet Goldmine) Io non sono qui è da vedere (per chi volesse farsi un’idea “reale” della carriera di Dylan) con No Direction Home, lo splendido documentario di Martin Scorsese sul menestrello del rock.

Titolo originale: I’m Not There
Interpreti: Marcus Carl Franklun, Cate Blanchett, Charlotte Gainsbourg, Christian Bale, Heath Ledger, Richard Gere, Julianne Moore, Bruce Greenwood, Michelle Williams
Durata: 135’
Origine: Usa, 2007

Risorse:
Sito ufficiale italiano
Bob Dylan su Wikipedia
Bob Dylan - sito ufficiale

Romania. 1987.
Apre un piano-sequenza, macchina da presa fissa, due ragazze in una stanza che parlano. Un ambiente triste, dai colori morti, oggetti intrisi di povertà . La casa dello studente. Le due ragazze parlano di soldi, dei loro studi. Gabita prepara una valigia. Otilia prende i soldi ed esce dalla stanza. Christian Mungiu, il regista, la segue da dietro, poi si ferma, la macchina da presa si ferma, Otilia continua a a camminare, si allontana, prende un tram.

Queste le scelte stilistiche. Alternanza di piani-sequenza e pedinamento. Povertà di mezzi e massima capacità espressiva.
Ci vuole poco, come ne Le vite degli altri, a farsi un’idea dello squallore dei luoghi dove il comunismo degenerò in dittatura. Il mercato nero, il controllo della polizia, la perenne paura di essere fermati o arrestati.
Romania. 1987.
L’aborto è illegale. Le due ragazze, i loro discorsi, i loro movimenti. Tutto serve per preparare questa azione. Affittare una stanza, contattare un uomo capace di praticarlo, subire l’atto.
Christian Mungiu sospende qualsiasi giudizio morale sull’aborto, lo mostra. Intrappola le due ragazze in una stanza nella quale è difficile rimanere come spettatori, in un sistema di cose disumano e glaciale. Dove è appunto la freddezza con la quale si parla di certe cose, che congela scelte e parole, a fare davvero male. Il modo in cui l’umanità si riduce a semplici interessi, economici quanto sessuali.
Il regista dilata i tempi, come il primo Antonioni rimane nella sequenza anche dopo che l’azione è finita, come nella vita reale mostra il vuoto che c’è quando le cose terminano e le persone invece continuano a vivere. E quindi il silenzio o l’imbarazzo, l’angoscia o la paura.
In un intermezzo necessario per l’equilibrio interno del film, Otilia va a casa del suo ragazzo, dove si festeggia la festa della madre. In un piano-sequenza meraviglioso eppure semplicissimo, la macchina da presa appoggiata su un tavolo e nel quadro Otilia, il ragazzo, i genitori del ragazzo e alcuni loro amici. Di nuovo quella sensazione di gelo, di gabbia, di isolamento. I due ragazzi in silenzio, sommersi dalle chiacchiere degli adulti, forse in imbarazzo, sicuramente con la voglia di essere altrove.
L’inquadratura come una prigione, che rinchiude i due personaggi femminili nei loro drammi. Come quando Otilia (la vera protagonista del film) si deve sbarazzare del feto dell’amica. La macchina da presa incollata alle sue spalle, che pulsa e ansima come il suo cuore, nel buio delle strade, tra rumori di macchine della polizia (l’aborto era punito con la prigione) e la ricerca di un luogo dove scaricare il feto. Ansia da thriller, dove speri che il protagonista riesca a farcela, dove hai sempre paura che qualcosa possa andare male.
Poi le due ragazze sedute ad un tavolo. Gabita chiede all’amica se ha seppellito il feto. Otilia non risponde, le dice di promettere che non avrebbero più parlato di quanto era successo. Poi solo silenzio e loro immobili. E la macchina da presa che continua a girare. E quel vuoto, quell’assenza di parole, quella sottile paura scavano ancora dentro, facendo sentire il freddo, facendo stare male, sottolineando l’orrore di una società degradata e degenerata fino alla perdita di qualsiasi umanità .
4 mesi, 3 settimane, 2 giorni è un film devastante. Che fa stare male. E proprio per questo coraggioso e unico come pochi.

Titolo originale: 4 luni, 3 saptamini si 2 zile
Interpreti: Anamaria Marinca, Laura Vasiliu, Vlad Ivanov, Alex Potocean
Durata: 113’
Origine: Romania, 2007

Risorse:
Sito italiano del film

The crooner of the north

Voto:

A due anni di distanza dal fortunatissimo capolavoro musicale Coles Corner, Il Crooner del Nord del Regno Unito torna con il suo quinto album e c’è chi dice che sarà il miglior lavoro discografico del 2007. Artista senza tempo, dotato di una voce profonda, calda, malinconica, incisiva ed unica, nato artisticamente negli anni 90, divenne popolare con i Longpigs, che dopo un estenuante tour mondiale decisero di sciogliersi. Nel ‘97 l’amico Jarvis Cocker, frontman dei Pulp, gli chiese di suonare con loro. Hawley disse del gruppo: “Mi hanno salvato la vita stavo andando fuori di testa con le droghe e l’alcol”.

Il successivo tour mondiale per l’album “This Is Hardcore” dei Pulp lo ridusse allo stremo, sia psicologicamente che fisicamente, e Hawley si ritirò a vita privata.
Nel 2001 fu sempre Jarvis Cocker a tirarlo fuori dai guai. Dopo aver ascoltato un suo demo lo convinse a tornare in studio per lavorare al suo primo album da solista. Il successo della critica arrivò subito, mentre per ottenere quello del pubblico dovette aspettare il 2003 con l’album Lowedges, nominato “il più grande album” dell’ anno dalla prestigiosa rivista NME.
Nel 2005 pubblicò Coles Corner, ricevendo una nomination per il Mercury Prize, vinto però dagli Arctic Monkeys con l’album di debutto “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not”. Lady’s Bridge, il suo quinto lavoro, è un disco affascinante e di gran classe, con una buona melodia e testi romantici che vanno dritti al cuore. “Valentine” è l’apridisco con violini e violoncelli a profusione, schegge di romanticismo classico, per poi passare alle divertenti rockabilly “Serious” e “I’m looking for someone to find me” , la ballata Country “Dark Road”, ed il primo singolo estratto, la gioiosa “Tonight the streets are ours”.
Solo 11 tracce (venne interrotto per l’improvvisa morte del padre), per un album pieno di sfumature anni cinquanta e sessanta che riportano a grandi artisti come Johnny Cash, Leonard Cohen, Roy Orbison e Frank Sinatra.
Consigliato caldamente ai nostalgici dei jukebox

Tracklist:

1. “Valentine”
2. “Roll River Roll”
3. “Serious”
4. “Tonight The Streets Are Ours”
5. “Lady Solitude”
6. “Dark Road”
7. “The Sea Calls”
8. “Lady’s Bridge”
9. “I’m Looking For Someone To Find Me”
10. “Our Darkness”
11. “The Sun Refused To Shine”

Risorse:
[1] Richard Hawley official site
[2] Richard Hawley su Myspace
[3] Richard Hawley su Wikipedia

La seconda edizione del Nextech Festival si svolgerà a Firenze presso la Stazione Leopolda, spazio unico nel suo genere in Italia per eventi e manifestazioni legate alla cultura e alla creatività.
Nextech Festival, dedicato alle arti elettroniche e visive della scena internazionale, è realizzato da Musicus Concentus, Intooitiv, Tenax e Stazione Leopolda Srl, con il contributo dell’Assessorato alla Cultura del Comune di Firenze, nell’ambito di FI.ESTA ’07.
La prima edizione di Nextech Festival è stata segnata da una straordinaria partecipazione di pubblico, novemila spettatori per tre giorni. Il programma della seconda edizione di Nextech Festival prevede un appuntamento di intense attività, ricco di anteprime e novità per l’Italia, che accompagnerà i partecipanti dall’ora dell’aperitivo a notte inoltrata.

Le proposte di Nextech Festival coniugheranno diverse accentazioni della musica elettronica, le sue implicazioni con il rock e con la black music, le nuovissime tendenze del nightclubbing, così come i nuovi linguaggi della ricerca sonora. Il programma sarà diviso tra gli Aperitivi Sonori pomeridiani, ad ingresso gratuito, e le attività della sera e della notte, a pagamento.

Nextech Festival sarà inaugurato da due presenze toscane, il gruppo Cayorosso, che combina rock ed elettronica, punk, dub, ed il giovane Biga, già apprezzato come membro di Ether. Nella serata le prime presenze internazionali: Kieran Hebden, già noto per il suo progetto Fourtet, che sarà sul palco della Stazione Leopolda con il batterista Steve Reid, una leggenda della black music che ha esordito con Martha & The Vandellas per proseguire con James Brown, Miles Davis e Chaka Khan. Seguirà l’italiano Rodion, che bilancia i ritmi d’oggi con i suoni del cinema horror e la cosmic music degli anni ’70, per approdare alla Francia, con i nuovissimi Teenage Bad Girl, un esordio di spicco del 2007, e il celebrato Mr.Oizo, al secolo Quentin Dupieux, autore del brano “Flat Beat” e creatore del pupazzo Flat Eric scelti per uno spot pubblicitario di una nota marca di jeans, divenuto un’icona del dancefloor, con tre milioni di copie vendute.

Dalla seconda giornata lo spazio dell’Aperitivo Sonoro di Nextech Festival sarà a cura dell’etichetta discografica Homework Records, marchio bolognese che si è imposto all’attenzione con una proposta variegata, tra musica e video per una ricerca particolarmente appassionante. Il programma della sera presenterà un’importante anteprima italiana, la band inglese Stateless, uno degli esordi più significativi dell’anno, pubblicato dalla prestigiosa etichetta tedesca K7, che propone una sintesi tra sonorità elettroniche e rock, in una serie di brani palpitanti in cui la stampa specializzata ha riconosciuto tracce di Dj Shadow, Bjork e Radiohead. Dalle canzoni di Stateless si passerà al funk ed ai groove ipnotici e screziati di venature “latin” di Chic Miniature, il duo costituito da Ernesto Ferreyra e Guillaune Couto Dumont, per arrivare a Moodymann, uno degli artisti di punta della scena di Detroit, animatore di un suono dove le radici della black music convivono con i ritmi dell’attualità. In chiusura sarà sul palco l’argentino Barem, un protagonista della scena minimal techno,
Sonorità e beat trascinanti anche per il sabato di Nextech Festival; in apertura di serata saranno di scena i My My, collettivo tra i più apprezzati di base a Berlino, seguiti dagli statunitensi Ryan Crosson aka Berg Nixon e Someone Else. Il tratto comune dei due è la ricerca di sonorità inedite e particolari, Crosson rappresenta la vitalità ed il rinnovamento della scena di Detroit, Someone Else è tra i performer più apprezzati, tra sonorità techno ed electro pop, votato come uno dei migliori “live act” 2006 dalla rivista Groove Magazine. Ancora ritmi senza sosta per il finale del festival con un omaggio ai suoni di Amburgo, con uno dei personaggi più interessanti e poliedrici, Dj Koze.

Quello che segue è un servizio di intoscana.it realizzato nel corso di Nextech Festival 2006:

Risorse:
[1] nextechfestival.com
[2] Nextech Festival su Myspace

Vedere quella barca che da Miami parte verso Cuba (anzi verso Guantanamo) con tanto di bandiera americana sventolante, e i contorni inconfondibili di Michael Moore, è un’immagine che colpisce il cuore. Vedere questo uomo, goffo e pesante, fare domande e ottenere risposte, vederlo immergersi nella densità delle cose, degli avvenimenti, dei fatti, vederlo scavare nelle ipocrisie della propria società è prima di tutto un’esperienza emotiva, umana, poi una presa di coscienza.
Ma sono sempre le sensazioni quelle che si muovono in profondità .
Michael Moore ti porta a riflettere sulle cose o a indignarti passando principalmente per il tuo cuore. Facendoti ridere o piangere, facendoti sentire partecipe di una umanità che non conosce confini, toccando le corde giuste della nostra sensibilità .


La sua macchina da presa, sempre incollata a chi parla, sempre pronta a seguirlo nelle sue folli idee, è ancora uno strumento di militanza civile più che politica come è nella tradizione delle lotte per i diritti umani degli Stati Uniti. Questa volta il regista mostra il vero volto della sanità americana, completamente in mano a società assicurative private. Ne mostra le perverse logiche capitalistiche e commerciali, dove il malato diventa merce e quindi solo un elemento di un sistema che deve portare soldi alle società assicurative. Non si pensa alla salute, si pensa a quanto il rapporto tra spese mediche e entrate (i prezzi delle varie assicurazioni) possa essere favorevole per queste società . Michael Moore va anche in Canada, in Francia e infine a Cuba, mondi paradisiaci per i malati americani dove l’utopia di cure gratuite diventa una concreta realtà .
Michael Moore ha la grande abilità di non essere mai pedante o violento nelle sue denunce, i suoi film, al di là della assurde verità che mostrano, fanno, in alcuni momenti, ridere fino alle lacrime. Situazioni talmente paradossali, montate con intelligenza e attraverso molte idee espressive e visive, che sembrano uscire da film comici o demenziali. Solo quando ci si ferma a riflettere, dopo, usciti dalla sala, ci si accorge della drammaticità di quanto si è visto, e allora la mente, il cervello, iniziano a ricollegare, a metabolizzare le immagini e le parole, e cresce l’indignazione e ti coinvolge lo stesso desiderio di cambiamento, di novità . La stessa voglia di resistenza a questo stato delle cose.
Michael Moore porta speranza. Parla prima di tutto agli americani ma anche al mondo intero. E dietro questa figura apparentemente inoffensiva si cela un regista che ancora usa il cinema come strumento di denuncia e che trova nella forma del documentario un mezzo adeguato per le sue inchieste e le sue storie. La sua macchina da presa non si abbassa davanti a nulla, non conosce il fuori campo, è un occhio sempre presente, davanti al dolore come alla gioia. Il suo occhio è testimonianza. Scelta condivisibile o meno, la realtà mostrata da Michael Moore è funzionale alla sua tesi. Una denuncia civile dove il disprezzo per la società americana non cade mai in quello per la razza umana, segno dell’amore del regista per la sua nazione e del suo odio per chi la governa.

Regia: Michael Moore
Durata: 120′
Produzione: USA, 2007

Risorse:
Sicko - sito ufficiale

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Ecco un video tratto da Popkomm 2006:

Info utili:
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19 - 21 Settembre 2007
Prezzi:
3 day ticket : 285 euro
al botteghino:
walk up ticket (3 days): 350 euro
ticket giornaliero: 160 euro

Risorse:
popkomm.com